Mi mundo en imágenes

             

Bueno, pongo una entradita con toda la verguenza del mundo porque no suelo enseñar las cosas que hago, pero algun dia tenia que ser jaja... el trabajo es para clase de Teoria de la Imagen y se llama mi mundo en Imágenes. La idea es que fuera un album, pero como todas las personas tenemos una idea errónea de lo que es un album os pongo la definicion de lo que es y no es:

UN ÁLBUM ES una obra dirigida a toda clase de lectores en la que la ilustración , esencialmente predominante, se compenetra con el texto, que puede estar ausente o presente al cincuenta por ciento.

Es un género narrativo relativamente nuevo – como la novela, el teatro, la poesía o el cómic – que es heredero del lenguaje cinematográfico y de la publicidad.

Es un cruce de caminos donde confluyen lo textual y lo visual, el texto y la imagen en un equilibrio perfecto.

El ESCRITOR dice mucho con pocas palabras de significado inequívoco.

El ILUSTRADOR expresa lo que no dice el texto, enriqueciendo y aportando con la imagen a fin de que el lector pueda interpretar más allá de las palabras.

Escritor e ilustrador pueden ser dos personas o la misma

TODOS LOS ÁLBUMES son libros, pero no todos los libros son álbumes. El álbum juega con el tamaño, con el formato, con la cubierta, con la textura…Puede narrar historias, o emociones o sentimientos… es un libro para explorar, para sentir … y para ver.

                                     

Despues de esto, lo que se me ocurrio fue hacer una secuencia de imágenes en las que se narrara parte de mi vida ya que toda es imposible, sobre todo aquellos momentos importantes,personas,sentimientos o deseos.. algunas imagenes están claras y otras no tanto pero como el trabajo es personal pues no importa que no se entienda. 

Otra característica es que la forma de dibujar va cambiando a medida que van pasando los dibujo, demostrando como crezco,aprendo y cambio no solo en mi vida si no tambien en el dibujo.

Practicamente todos los dibujos van acompañados de frases de poemas o de canciones que en algun momento me han marcado o que las escucho y me recuerdan a esa epoca exacta de mi vida.

Evidentemente el trabajo podia estar mejor ya que deberia haber añadido mas dibujos para que los movimientos se vieran mas fluidos, pero con la costumbre de dejarlo todo para lo ultimo pues no he tenido tiempo JAJA. 

La portada esta llena de dibujos tambien mios y poemas sobre todo de Pablo Neruda o Mario Benedetti y alguna cancion, acompañados de los simbolos que mas o menos me representan y mas me gustan. 

Sin mas dilaciooonnnn dejo aqui el trabajo:

Tambien pongo algunas secuencias para que se vea mejor.

Take on me

''Pero ese soy yo, andando a tropezones, entendiendo lentamente que la vida está bien.'' Take on me,A-ha

Take on Me es la canción más conocida del grupo A-ha. Se hizo conocida gracias al buen vídeo-clip que hicieron para ella.  La dirección del famoso video fue de Steve Barron, quien es conocido por haber dirigido otros videoclips populares como: “Billie Jean,” o “Karma Chameleon“. El videoclip de A-ha marcó un hito en la historia de la música, más que por su letra, el ritmo musical, la estructura y técnicas usadas hicieron inolvidable a este video.

Este vídeo fue inspirado en el trabajo de arte de un estudiante, con el sistema del rotoscopio, las escenas vivas (que no son animaciones) fueron tomadas en el Kim’s Café y en un estudio de sonido, ambos en Londres, Inglaterra. Cuenta la historia de fantasía en la que una chica (interpretada por la actriz Bunty Bailey) tiene un romance de ensueño con el héroe de su historieta cómica favorita (interpretado por Morten Harket). 

El factor más importante que hizo que este videoclip revolucione el mundo de la música televisiva de los 80s es que se utilizó el sistema del rotoscopio. Este es un dispositivo que permite a los animadores diseñar imágenes para películas de animación. La rotoscopia consiste en dibujar cada cuadro de una animación sobre un fílmico original, de esta manera, se puede transmitir un movimiento natural y una secuencia de movimientos real, tomando en cuenta las luces, sombras, expresiones, etc. Esta técnica se inventó en 1912 y se ha usado en algunas partes de películas animadas como: “Los viajes de Gulliver”, “Blancanieves y “Los siete enanitos” de Walt Disney, también en “El señor de los Anillos” de 1978.

 Este dispositivo es usado hasta la actualidad, pues hay veces que el efecto croma-key no se puede usar efectivamente. (El croma, inserción croma o llave de color  es una técnica audiovisual utilizada ampliamente tanto en cine y televisión como en fotografía, que consiste en extraer un color de la imagen (usualmente el verde o el azul) y reemplazar el área que ocupaba ese color por otra imagen, con la ayuda de un equipo especializado o un ordenador. Esto se hace cuando es demasiado costoso o inviable rodar al personaje en el escenario deseado, o para evitar el laborioso recorte del personaje fotograma a fotograma (rotoscopia)

El videoclip usa dibujos animados hechos a lápiz combinados con la acción real de los personajes. Es decir, los cuadros en los que la banda y los personajes presentados se desenvuelven, fueron vueltos a trazar uno por uno para dar la sensación de historieta cómica y, a la vez, obtener características reales del movimiento de los personajes. Se rotoscopiaron aproximadamente 3 000 cuadros, los cuales tardaron 16 semanas en hacer. El videoclip empieza mostrando primeros planos de imágenes en blanco y negro, como de una historieta. Los cortes en seco, dados de imagen en imagen, quiere imitar el movimiento del ojo humano al ver una historieta cómica, pues se ve un cuadro seguido por otro, existe yuxtaposición. También se ve el travelling hacia adelante y hacia atrás para enfatizar las imágenes enfocadas, o, en el caso de travelling hacia atrás, es para mostrar el cuadro en general, es decir pasar de un primer plano a un plano general (seg. 13). También se puede ver una similitud con el cine, pues parece fotografía en movimiento, sobretodo desde que se dispara al cielo y comienza la carrera.Desde que empieza la canción las imágenes del comic son mostradas con rapidez, el movimiento de los cuadros acompaña al ritmo de la canción, es decir, se complementa la canción con el video. 

En la escena final el protagonista se da golpes con las paredes para cruzar este tipo de portal, se ve como se pasa del efecto del rotoscopio al normal. Aquí existe una intertextualidad con la película de terror “Altered States” de Ken Russell . En el film también existe un tipo de lucha de un hombre por no convertirse en un monstruo, él se golpea contra las paredes, al igual que en el videoclip, y logra detener la mutación y permanecer humano.

A pesar de que el rotoscopio haya sido un dispositivo inventado décadas antes de la realización del video, este videoclip ha sido tomado en otras series a causa de la manera de presentar las imágenes y mezclar los dos mundos. Por ejemplo en “South Park” y “Family Guy” se han hecho intertextualidades del video. La canción fue un éxito en los 80s y es conocida hasta la actualidad, bandas como: Reel Big Fish, Mago de Oz, Miranda, Vision Divinde, entre otras, han hecho covers de esta canción.

El primer vídeo, fue el original, era su primer disco, no eran conocidos y no consiguieron a penas repercusión.  Poco después vendría ya el famoso vídeo que les lanzo a la fama e hizo millonarios. 

American Beauty

 ''Es genial comprobar que todavía tienes la capacidad de sorprenderte a ti mismo..'' American Beauty

Siguiendo un poco en la onda onírica de la anterior entrada os dejo algunas de las escenas más emblemáticas del cine. El elemento en comun de casi todas ellas y que es esencial en la pelicula es la rosa.
La rosa de "American Beauty" es una variedad de rosa cultivada artificialmente para tener una apariencia perfecta. En la película se representa la "falsa belleza", belleza que es sólo apariencia. El título y contenido también se relaciona con una célebre frase pronunciada por el empresario estadounidense John D. Rockefeller como metáfora del darwinismo social:

''El crecimiento de un gran negocio es simplemente la supervivencia del más apto... La rosa American Beauty sólo puede alcanzar el máximo de su hermosura y el perfume que nos encantan, si sacrificamos otros capullos que crecen a su alrededor. Esto no es una tendencia malsana del mundo de los negocios. Es, meramente, el resultado de una combinación de una ley de la naturaleza con una ley de Dios''

En American Beauty, como en la rosa, las cosas no son lo que parecen. Los virtuosos son los más perdidos, los raros son las personas que anhelan el sentido de su vida, los fracasados los que poseen la fuerza necesaria para atreverse a mirar más allá,… y todos ellos viajan en el mismo barco del destino, empujado por sus emociones y fantasias, y arropados por la fuerza de cada uno. Un destino común, trágico, liberador, esperanzador… En American Beauty, el destino no tiene valor como bueno o malo. Simplemente es el adecuado y correcto para cada uno, es el camino a la liberación personal.

La belleza puede encontrarse en todos los rincones del mundo si uno sólo sabe cómo encontrarla. Ángela piensa que ella es "ordinaria", aunque Lester piense lo contrario. Lester, en cambio, piensa que él es un "perdedor", aunque Ángela le encuentre "sexy", Jane odia su aspecto y piensa que ella es "aburrida" y Ricky, sin embargo, la encuentra fascinante.

Por tanto, como Lester dice en su narración, incluso una bolsa de plástico ordinaria ondeando al viento tiene una cierta suma de belleza, sólo depende de cómo la mires. De ahí que todos los personajes de la película sean "Bellos" de alguna manera, incluso aunque ellos mismos no puedan ser conscientes de ello.

He de decir que no solo he elegido esta pelicula por las escenas, si no tambien por el guion y la historia de esta pelicula que desde mi punto de vista toda ella es una verdadera obra de arte. Ha sido ganadora de numerosos premios (oscar,BAFTA...) desde montaje,banda sonora, mejores actores.. Sin mas os dejo los videos con algunos textos de la pelicula, espero que los disfruteis.

''- ¿Quieres ver lo más bonito que he grabado en mi vida? Era uno de esos días, en que está a punto de nevar; Y el aire está cargado de electricidad. Casi puedes oírla, ¿verdad? Y esa bolsa estaba “bailando” conmigo. Como un niño pidiéndome jugar. Durante quince minutos.
Es el día en que descubrí que existe vida bajo las cosas. Y una fuerza increíblemente benévola que me hacía comprender que no hay razón para tener miedo Jamás.
El vídeo es una triste excusa, lo sé; Pero me ayuda a recordarlo. Necesito recordarlo.
A veces hay tantísima belleza en el mundo que siento que no lo aguanto. Y que mi corazón se está derrumbando.''

“Siempre había oído que toda tu vida pasa ante tus ojos el segundo antes de morir.

Para empezar ese segundo no es un segundo en absoluto, se hace algo inmenso como un océano de tiempo.

En mi caso aparecía yo tumbado boca arriba en el campamento de los Boy-Scouts mirando estrellas fugaces. Y las hojas amarillas de los arces que flanqueaban nuestra calle; o las manos de mi abuela y su marchita piel que parecía papel. Y la primera vez que contemplé el nuevo Firebird de mi primo Tony; y Jenny; y Jenny..

y Caroline..

Supongo que podría estar bastante cabreado con lo que me pasó, pero cuesta seguir enfadado cuando hay tanta belleza en el mundo.A veces siento como si la contemplase toda a la vez; y me abruma. Mi corazón se hincha como un globo que está a punto de estallar.

Pero recuerdo que debo relajarme y no aferrarme demasiado a ella y entonces fluye a través de mí como la lluvia y no siento otra cosa que gratitud por cada instante de mi estúpida e insignificante vida.

No tienen ni idea de lo que les hablo.

Seguro.

Pero no se preocupen.

Algún día la tendrán.“

Maggie Taylor

"Los sueños nos protegen contra la monotonía y la vulgaridad de la existencia.En ellos descansa y se recrea nuestra encadenada fantasía, mezclando sin orden ni concierto todas las imágenes de la vida e interrumpiendo con su alegre juego infantil la continua seriedad del hombre adulto. Sin nuestros sueños, envejeceríamos antes. " Novalis

Antes de seguir con un poco mas de historia de la Animacion y programas o metodos para animar os pongo una entradita con informacion sobre intro de Entre Fantasmas y sobre su autora.
Lo mas caracteristico de entre fantasmas, y todos estaremos de acuerdo, es la introduccion con las imagenes tan caracteristicas y que seguramente alguno se habra preguntado de donde vienen o quien las ha hecho..pues bien todas las imágenes que aparecen en los 30 segundos de introducción pertenecen a la reconocida artista digital Maggie Taylor. La encargada de la animacion ha sido Digital Kitchen (http://thisisdk.com/) una prestigiosa agencia de marketing que tiene como clientes por ejemplo a Coca-Cola.
Aqui os pongo la intro: 

La intro y la evolucion de sus imagenes tienen un significado, si estais interesados pinchad aqui. Maggie Taylor es una artista nacida en Cleveland, Ohio, en 1961. Se licenció en filosofía en la Universidad de Yale en 1983 y obtuvo un Master en fotografía en la Universidad de Florida en 1987. 

Después de diez años fotografiando empieza a usar ordenadores en 1996 y sus trabajos aparecen en diferentes publicaciones como Adobe Photoshop Master Class: Maggie Taylor´s Landscape of Dreams (2005), Solutions Beginning (2007) o Alice´s Adventures in Wonderland (2008). Su obra ha sido expuesta en Europa y Estados Unidos y está representada en colecciones públicas y privadas de varias galerías y museos.

 Maggie Taylor realiza sus imágenes escaneando objetos en un ordenador mediante un escáner de superficie plana generalmente con la tapa abierta, a continuación las combina con otras fotografías y diferentes capas (llega a utilizar hasta 40 capas diferentes) manipulando y coloreando el conjunto con Adobe Photoshop.

Se necesita mucho tiempo para hacer estas imágenes superpuestas, a veces un par de semanas y a veces seis meses. También una buena máquina, pues una de sus imágenes puede pesar 50mb cuando está en sus comienzos y transformarse en 500mb cuando todas las capas están en acción. El resultado es un trabajo onírico y surrealista con un aspecto perturbador lleno de encanto.
Su obra se encuentra a medio camino entre la fotografía y la pintura. No es una cosa ni otra, es algo intermedio. Ella imprime sus imágenes en papel de superficie mate con una ligera textura para que luzcan más como un trabajo grabado, o como una imagen pintada, en lugar de una fotografía. Maggie se aleja deliberadamente de papel y las superficies brillantes de esta forma sus imágenes exhiben una calidad táctil. Una cosa que hace su trabajo diferente al de muchos artistas digitales, es que la mayoría de los otros están interesados en crear imágenes que tienen una calidad de capas, donde hay un montón de capas transparentes. Puede haber un texto sobre una imagen en blanco y negro o sobre un fondo coloreado. 

Maggie tiende a evitar que este tipo de imagen. Ella crea lo que ella quiere pintar, una escena creíble que no tenga un montón de capas visibles. A pesar de que utiliza múltiples capas para construir las imágenes, no se esfuerza porque tengan una apariencia de capa. 

Aunque el trabajo de Maggie se basa en el uso de técnicas digitales, viendo sus composiciones uno se da cuenta de que su obra está pensada y trabajada de forma manual, como cualquier otro Arte Tradicional. Ella crea el ambiente cuidando todos los detalles, no se trata de darle a una tecla, se trata de un proceso creativo plenamente consciente, de una intencionalidad que surge de la inspiración y el ensueño, de una imaginación desbordante y un esmerado cuidado en la composición. 


Maggie Taylor nos deja en su web una fantástica galería dividida en 5 series, Ladies, Gentlement, Boys & Girls, This and That y Almost Alice, lo cual nos viene a confirmar de nuevo la plena consciencia de su trabajo. (http://maggietaylor.com/)
 Los colores, trabajados digitalmente, están cuidados tanto en el contenido de los personajes y objetos como en los fondos, que cobran una gran importancia en sus composiciones. Un colorido que contrasta también con el riguroso blanco y negro de su marido Jerry Uelsmann.(http://www.uelsmann.net/#)

Aqui os dejo otra de las animaciones de Digital Kitchen (http://thisisdk.com/) y otras imagenes de Maggie, epsero que os haya gustado esta curiosa forma de animacion. Besos!
http://www.dailymotion.com/video/x2gzbl_digitalkitchen-reel-2007_news?start=20

Para comenzar..

''Hoy creo que el hombre no puede escapar a su destino de crear, cualquiera sea lo que haga, jazz, cucharas de madera o un grafitti en la pared. Todas ellas son expresiones de la creatividad del hombre, prueba de que aún no ha sido destruido por la tecnología. Pero, ¿hacemos esas cosas para la gente de nuestra época o repetimos lo que ya ha sido hecho? Debemos preguntarnos eso. Lo más importante es siempre dudar de la importancia de esa pregunta.'' Orson Wells

Quiero comenzar el blog con una leccioncita de historia para ponernos un poco en situación.

Mucha gente cree que animación es algo que simplemente abarca el hacer un par de movimientos a un monigote y punto. Tienen y no tienen razón. Efectivamente, se trata de darle movimiento a un monigote; sin embargo, lo que se le da a este monigote es más que simple actividad, se le da el soplo de vida que se encarga de sacarlo de la mente del artista para compartirlo con muchas otras personas.

La animación es más que dibujos graciosos y humorísticos, que se mueven bajo un orden lógico y conceptual; la animación, esencialmente, es la forma más creativa de una rama de las artes tradicionales como el dibujo.

Dentro de la animación existen, gracias a los avances de la tecnología, distintas maneras de desarrollar este arte. Sin embargo, los historiadores y los estudiosos convergen en opinar que este arte viene desarrollándose a la par con el desarrollo artístico de los hombres.

Como punto de partida tenemos la era del Paleolítico, en donde el hombre realizaba diversos trazos con los cuales expresaba las actividades realizadas a diario. En la cueva de Altamira se han hallado la presencia de animales policromo tratados con estilo naturalista, entre los que predominan los bisontes con actitudes diversas que, además, constituyen escenas que connotan movimiento la mayoría de veces. Este es, el primer indicio de que el ser humano tenía un gran anhelo por plasmar el movimiento. 

Otra muestra de este hecho, es sin lugar a duda, las grandes paredes de las tumbas decoradas, en la antigua cultura Egipcia.

Por otro lado, Miguel Ángel, el genial artista del Renacimiento, ya esbozaba en muchos de sus dibujos diversos movimientos de labios al emitir sonidos. De este modo, y con la posibilidad de citar varios ejemplos más, el concepto de movimiento está presente de manera perenne en el subconsciente de los seres humanos.

Cabe resaltar, que no podemos hablar de animación sin antes tener una referencia acerca de los aparatos que ha desarrollado el hombre para poder lograr este cometido. A continuación daremos un vistazo rápido a la evolución de este grandioso arte.

Dos de los pioneros en el desarrollo de maquinaria, que después sería usada para animación, son Plateau y Ritter, quienes construyeron el fenaquistoscopio tras la presentación, siete años después, del trabajo de Peter Roget (1824) The persistence of vision with regard to moving objects (La persistencia de la visión respecto a los objetos en movimiento) en la British Royal Society; este invento daba una ilusión de movimiento mediante dos discos giratorios. Aqui os dejo un video de un fenaquitoscopio para que veais en que consiste:

                                 

El siguiente paso fue en 1834 con el invento de Plateau, el zootropo:

Cincuenta y tres años más tarde, Thomas Edison comenzó su investigación sobre las películas animadas, producto de ello, dos años después, hizo el anuncio sobre el nuevo aparato capaz de proyectar 50 pies de film en aproximadamente 13 segundos: el kinetoscopio. 

Ese mismo año, George Eastman comenzaría la manufactura de rollos de película fotográfica usando una base de nitro-celulosa.
Consecutivamente en 1895 los hermanos Lumiere, Louis y Augustine, registraron su patente del cinematógrafo, aparato capaz de proyectar imágenes en movimiento. Uno de los inventos que sería de gran importancia para el desarrollo del arte de la animación sería creado por Thomas Armat, quien con la máquina que inventó, logró proyectar las películas de Edison, este artefacto se llamó el vitascopio.


J. Stuart Blackton hizo la primera película animada llamada Fases humorísticas de caras chistosas, esta fue realizada en 1906. Dos años más tarde, Emile Cohl produjo una película mostrando figuras blancas en un fondo negro.

 Ese mismo año, Winsor McCay produjo una secuencia animada usando su personaje de las tiras cómicas Little Nemo. Este es, sin lugar a dudas, uno de las mejores animaciones del siglo. La sencillez del trazo en cada dibujo y la historia son simplemente, espectaculares y profundas. La historia estuvo inspirada en su propio comic Little Nemo in Slumberlan.

Sin embargo, el genio de McCay lució su más brillante creación un año más tarde, tras presentar Gertie the Dinosaur (historia de un dinosaurio). Esta animación dejó a todos atónitos, ya que la soltura del trazo y la inclusión de un final tan bien logrado y original, hizo que fuera considerada como una de las piezas maestras para la animación hoy en día. Hay además, dos hechos que hacen de esta película algo realmente único.

El primer factor es que Gertie es el primer dibujo pensado para ser proyectado sobre una pantalla, el otro, es que logra tener interacción con su autor. Windsor McCay realizaba una performance en el escenario donde era proyectada de película de animación; él le daba órdenes al dinosaurio y hasta le daba de comer una manzana. Para la gente que presenciaba aquel espectáculo, la película era, sin lugar a dudas, algo para recordar.

Como dato anecdótico, se dice que el origen de Gertie surgió de una apuesta entre McCay y George McManus, un colega suyo. Un día ambos se dirigieron al Museo de Ciencias Naturales de Londres tras ver un esqueleto de dinosaurio en una de las salas, McCay le aseguró a su acompañante que él podría devolverle la vida y decidieron apostar una cena en ello.

Despues del gran Windsor McCay, se desarrollaron una serie de animaciones como las de Pat Salivan con El gato Félix. Es, en el año 1915, que Earl Hurd desarrolla la animación de celdas, avance que permitiría la evolución de la animación hasta ese entonces conocida.

La animación por celdas les daba a los animadores la posibilidad de poder reducir el tiempo que invertían en redibujar los objetos perennes en un cuadro, y así dibujarlos solo una vez. Es decir, si en un encuadre se necesita la imagen de un pato dentro de un estanque, el animador procedía a dibujar el paisaje del estanque en una celda y al pato en otra. Posteriormente, el animador simplemente, dibujaba los movimientos del pato para ser animados luego.
Ya a partir de 1920, las técnicas de animación empezaron a cambiar, y, evolucionaron para buscar mejoras en el desarrollo y el realismo de cada una de ellas. Un ejemplo perfecto de estas búsquedas son los intentos y avances logrados por los hermanos Fleischer, David y Max, quienes desarrollaron muchas de las técnicas que, luego retomaría Walt Disney para alcanzar el éxito que goza hasta nuestros días.

Fleischer Studios, Inc. es una corporación estadounidense que comenzó como un estudio de animación ubicado en 1600 Broadway,Nueva York. Fue fundada en 1921 por los hermanos Max y Dave Fleischer, quienes estuvieron a cargo de la compañía hasta que fueron despedidos por Paramount Pictures en enero de 1942. En su apogeo, fue el más significante competidor de Walt Disney Productions, y es famoso por llevar a la pantalla dibujos animados como Koko el payaso, Betty Boop, Popeye, y Superman.

La compañía comenzó cuando Max Fleischer inventó el rotoscopio que le permitió realizar una animación más real. Utilizando este aparato, los hermanos Fleischer obtuvieron un contrato con Bray Studio en 1919 para producir una serie llamada Out of the Inkwell donde presentaban su primer personaje, Koko el payaso. La serie se convirtió en todo un éxito, lo que les dio la confianza de crear su propio estudio en 1921.

A través de los años 1920, el estudio era uno de los principales productores de animación con un humor ingenioso y numerosas innovaciones. Estos incluían Ko-Ko Song Cartunes, dibujos animados musicales (con "The Famous Bouncing Ball"), que fue el precursor de los videos musicales; e hicieron películas educativas que explicaban cosas como la relatividad.

El estudio incluso experimentó con películas sonoras años antes que El cantante de jazz. Los cortometrajes con sonido atrajeron poco interés, en parte debido a que la mayoría de los cines no tenían la tecnología necesaria.

El estudio usó los métodos de Lee De Forest en una docena de dibujos animados con banda sonora sincronizada, como Come Take a Trip in My Airship, Darling Nelly Gray, My Old Kentucky Home, y In the Good Old Summer Time.

Con la completa adopción de las películas con sonido en los años 1920, el estudio fue una de los pocas compañías de animación en hacer exitosamente la transición con Screen Songs, una continuación de Ko-Ko Song Cartunes. El primero de estos fue The Sidewalks of New York, estrenado el 5 de febrero de 1929. En octubre del mismo año, los Fleischer crearon una nueva serie llamada Talkartoons. Los primeros episodios casi no tenían relación unos de otros, pero un nuevo personaje, Bimbo estuvo presente en casi toda la serie. Bimbo perdió protagonismo por su novia, Betty Boop, quien rápidamente se convirtió en la estrella del estudio. Betty fue el primer personaje femenino en Estados Unidos, y reflejaba la orientación urbana y adulta de los productos del estudio.

El éxito de los hermanos Fleischer fue confirmado con la autorización de E.C.Segar para hacer una serie animada de su personaje de tira cómica, Popeye el marino. Popeye se convirtió en la serie más popular jamás producida por los Fleischer, y su éxito competía con el de la serie animada Mickey Mouse de Walt Disney.

Desafortunadamente, la fortuna del estudio comenzó a cambiar a medida que los años 1930 pasaban. En 1934, el código Hays fue promulgado en Hollywood, lo cual significaba una severa censura para las películas. Como resultado, Betty perdió en parte su sexualidad. Incluso peor, los Fleischer se veían acosados por la presión de su distribuidor, Paramount Pictures, quien les ordenó imitar el estilo y contenido de los dibujos animados de Walt Disney. El más claro ejemplo de este cambio fue su serie llamada Color Classics, que esencialmente era una copia de Silly Symphonies de Disney.

Los esfuerzos de Fleischer Studios para imitar al estudio Disney terminaron con la producción de películas animadas. Paramount le prestó a Fleischer el dinero para un estudio más grande, que fue construido en Miami (Florida) para aprovechar las roturas de impuestos y terminar con la actividad resultante de una huelga del sindicato en 1937. El nuevo estudio fue abierto en marzo de 1938, y comenzó la producción de su primera película, Los viajes de Gulliver, que pasó de una etapa de desarrollo a una de activa producción.

La película fue estrenada en Navidad de 1939, y Gulliver fue presentado modestamente, aunque la calidad de la historia y animación estaban bastante alejados de lo que trataban de imitar, Blancanieves y los siete enanitos (Disney). 

Entre el estreno de Gulliver y la siguiente, Mister Bug Goes to Town, los Fleischer produjeron el mejor trabajo de este periodo, una serie de gran calidad basada en el superhéroe de historietas Superman. El primer cortometraje de la serie, simplemente titulado Superman, tenía un presupuesto de $100.000 dólares, uno de los más altos para un corto, y fue nominado a los Premios Óscar.

Sin embargo, este éxito no ayudó al estudio con su problema financiero. El numeroso personal del nuevo estudio creó grandes gastos, necesitando una producción estable. Un número de los cortos fue producido durante este periodo, como la serie de Popeye y una dapatación de 1941 de Raggedy Ann y Andy, manteniendo un gran nivel de calidad. Otros, como los cortos de Stone Age y la serie de Gulliver, fueron los últimos grandes éxitos del estudio.

Es casi imposible hablar de animación sin mencionar a Walt Disney, pero,de el ya os hablare en otra entrada.

Espero que os haya gustado, en la proxima entrada os traere mas informacion y curiosidades sobre la animación!