Para comenzar..

''Hoy creo que el hombre no puede escapar a su destino de crear, cualquiera sea lo que haga, jazz, cucharas de madera o un grafitti en la pared. Todas ellas son expresiones de la creatividad del hombre, prueba de que aún no ha sido destruido por la tecnología. Pero, ¿hacemos esas cosas para la gente de nuestra época o repetimos lo que ya ha sido hecho? Debemos preguntarnos eso. Lo más importante es siempre dudar de la importancia de esa pregunta.'' Orson Wells

Quiero comenzar el blog con una leccioncita de historia para ponernos un poco en situación.

Mucha gente cree que animación es algo que simplemente abarca el hacer un par de movimientos a un monigote y punto. Tienen y no tienen razón. Efectivamente, se trata de darle movimiento a un monigote; sin embargo, lo que se le da a este monigote es más que simple actividad, se le da el soplo de vida que se encarga de sacarlo de la mente del artista para compartirlo con muchas otras personas.

La animación es más que dibujos graciosos y humorísticos, que se mueven bajo un orden lógico y conceptual; la animación, esencialmente, es la forma más creativa de una rama de las artes tradicionales como el dibujo.

Dentro de la animación existen, gracias a los avances de la tecnología, distintas maneras de desarrollar este arte. Sin embargo, los historiadores y los estudiosos convergen en opinar que este arte viene desarrollándose a la par con el desarrollo artístico de los hombres.

Como punto de partida tenemos la era del Paleolítico, en donde el hombre realizaba diversos trazos con los cuales expresaba las actividades realizadas a diario. En la cueva de Altamira se han hallado la presencia de animales policromo tratados con estilo naturalista, entre los que predominan los bisontes con actitudes diversas que, además, constituyen escenas que connotan movimiento la mayoría de veces. Este es, el primer indicio de que el ser humano tenía un gran anhelo por plasmar el movimiento. 

Otra muestra de este hecho, es sin lugar a duda, las grandes paredes de las tumbas decoradas, en la antigua cultura Egipcia.

Por otro lado, Miguel Ángel, el genial artista del Renacimiento, ya esbozaba en muchos de sus dibujos diversos movimientos de labios al emitir sonidos. De este modo, y con la posibilidad de citar varios ejemplos más, el concepto de movimiento está presente de manera perenne en el subconsciente de los seres humanos.

Cabe resaltar, que no podemos hablar de animación sin antes tener una referencia acerca de los aparatos que ha desarrollado el hombre para poder lograr este cometido. A continuación daremos un vistazo rápido a la evolución de este grandioso arte.

Dos de los pioneros en el desarrollo de maquinaria, que después sería usada para animación, son Plateau y Ritter, quienes construyeron el fenaquistoscopio tras la presentación, siete años después, del trabajo de Peter Roget (1824) The persistence of vision with regard to moving objects (La persistencia de la visión respecto a los objetos en movimiento) en la British Royal Society; este invento daba una ilusión de movimiento mediante dos discos giratorios. Aqui os dejo un video de un fenaquitoscopio para que veais en que consiste:

                                 

El siguiente paso fue en 1834 con el invento de Plateau, el zootropo:

Cincuenta y tres años más tarde, Thomas Edison comenzó su investigación sobre las películas animadas, producto de ello, dos años después, hizo el anuncio sobre el nuevo aparato capaz de proyectar 50 pies de film en aproximadamente 13 segundos: el kinetoscopio. 

Ese mismo año, George Eastman comenzaría la manufactura de rollos de película fotográfica usando una base de nitro-celulosa.
Consecutivamente en 1895 los hermanos Lumiere, Louis y Augustine, registraron su patente del cinematógrafo, aparato capaz de proyectar imágenes en movimiento. Uno de los inventos que sería de gran importancia para el desarrollo del arte de la animación sería creado por Thomas Armat, quien con la máquina que inventó, logró proyectar las películas de Edison, este artefacto se llamó el vitascopio.


J. Stuart Blackton hizo la primera película animada llamada Fases humorísticas de caras chistosas, esta fue realizada en 1906. Dos años más tarde, Emile Cohl produjo una película mostrando figuras blancas en un fondo negro.

 Ese mismo año, Winsor McCay produjo una secuencia animada usando su personaje de las tiras cómicas Little Nemo. Este es, sin lugar a dudas, uno de las mejores animaciones del siglo. La sencillez del trazo en cada dibujo y la historia son simplemente, espectaculares y profundas. La historia estuvo inspirada en su propio comic Little Nemo in Slumberlan.

Sin embargo, el genio de McCay lució su más brillante creación un año más tarde, tras presentar Gertie the Dinosaur (historia de un dinosaurio). Esta animación dejó a todos atónitos, ya que la soltura del trazo y la inclusión de un final tan bien logrado y original, hizo que fuera considerada como una de las piezas maestras para la animación hoy en día. Hay además, dos hechos que hacen de esta película algo realmente único.

El primer factor es que Gertie es el primer dibujo pensado para ser proyectado sobre una pantalla, el otro, es que logra tener interacción con su autor. Windsor McCay realizaba una performance en el escenario donde era proyectada de película de animación; él le daba órdenes al dinosaurio y hasta le daba de comer una manzana. Para la gente que presenciaba aquel espectáculo, la película era, sin lugar a dudas, algo para recordar.

Como dato anecdótico, se dice que el origen de Gertie surgió de una apuesta entre McCay y George McManus, un colega suyo. Un día ambos se dirigieron al Museo de Ciencias Naturales de Londres tras ver un esqueleto de dinosaurio en una de las salas, McCay le aseguró a su acompañante que él podría devolverle la vida y decidieron apostar una cena en ello.

Despues del gran Windsor McCay, se desarrollaron una serie de animaciones como las de Pat Salivan con El gato Félix. Es, en el año 1915, que Earl Hurd desarrolla la animación de celdas, avance que permitiría la evolución de la animación hasta ese entonces conocida.

La animación por celdas les daba a los animadores la posibilidad de poder reducir el tiempo que invertían en redibujar los objetos perennes en un cuadro, y así dibujarlos solo una vez. Es decir, si en un encuadre se necesita la imagen de un pato dentro de un estanque, el animador procedía a dibujar el paisaje del estanque en una celda y al pato en otra. Posteriormente, el animador simplemente, dibujaba los movimientos del pato para ser animados luego.
Ya a partir de 1920, las técnicas de animación empezaron a cambiar, y, evolucionaron para buscar mejoras en el desarrollo y el realismo de cada una de ellas. Un ejemplo perfecto de estas búsquedas son los intentos y avances logrados por los hermanos Fleischer, David y Max, quienes desarrollaron muchas de las técnicas que, luego retomaría Walt Disney para alcanzar el éxito que goza hasta nuestros días.

Fleischer Studios, Inc. es una corporación estadounidense que comenzó como un estudio de animación ubicado en 1600 Broadway,Nueva York. Fue fundada en 1921 por los hermanos Max y Dave Fleischer, quienes estuvieron a cargo de la compañía hasta que fueron despedidos por Paramount Pictures en enero de 1942. En su apogeo, fue el más significante competidor de Walt Disney Productions, y es famoso por llevar a la pantalla dibujos animados como Koko el payaso, Betty Boop, Popeye, y Superman.

La compañía comenzó cuando Max Fleischer inventó el rotoscopio que le permitió realizar una animación más real. Utilizando este aparato, los hermanos Fleischer obtuvieron un contrato con Bray Studio en 1919 para producir una serie llamada Out of the Inkwell donde presentaban su primer personaje, Koko el payaso. La serie se convirtió en todo un éxito, lo que les dio la confianza de crear su propio estudio en 1921.

A través de los años 1920, el estudio era uno de los principales productores de animación con un humor ingenioso y numerosas innovaciones. Estos incluían Ko-Ko Song Cartunes, dibujos animados musicales (con "The Famous Bouncing Ball"), que fue el precursor de los videos musicales; e hicieron películas educativas que explicaban cosas como la relatividad.

El estudio incluso experimentó con películas sonoras años antes que El cantante de jazz. Los cortometrajes con sonido atrajeron poco interés, en parte debido a que la mayoría de los cines no tenían la tecnología necesaria.

El estudio usó los métodos de Lee De Forest en una docena de dibujos animados con banda sonora sincronizada, como Come Take a Trip in My Airship, Darling Nelly Gray, My Old Kentucky Home, y In the Good Old Summer Time.

Con la completa adopción de las películas con sonido en los años 1920, el estudio fue una de los pocas compañías de animación en hacer exitosamente la transición con Screen Songs, una continuación de Ko-Ko Song Cartunes. El primero de estos fue The Sidewalks of New York, estrenado el 5 de febrero de 1929. En octubre del mismo año, los Fleischer crearon una nueva serie llamada Talkartoons. Los primeros episodios casi no tenían relación unos de otros, pero un nuevo personaje, Bimbo estuvo presente en casi toda la serie. Bimbo perdió protagonismo por su novia, Betty Boop, quien rápidamente se convirtió en la estrella del estudio. Betty fue el primer personaje femenino en Estados Unidos, y reflejaba la orientación urbana y adulta de los productos del estudio.

El éxito de los hermanos Fleischer fue confirmado con la autorización de E.C.Segar para hacer una serie animada de su personaje de tira cómica, Popeye el marino. Popeye se convirtió en la serie más popular jamás producida por los Fleischer, y su éxito competía con el de la serie animada Mickey Mouse de Walt Disney.

Desafortunadamente, la fortuna del estudio comenzó a cambiar a medida que los años 1930 pasaban. En 1934, el código Hays fue promulgado en Hollywood, lo cual significaba una severa censura para las películas. Como resultado, Betty perdió en parte su sexualidad. Incluso peor, los Fleischer se veían acosados por la presión de su distribuidor, Paramount Pictures, quien les ordenó imitar el estilo y contenido de los dibujos animados de Walt Disney. El más claro ejemplo de este cambio fue su serie llamada Color Classics, que esencialmente era una copia de Silly Symphonies de Disney.

Los esfuerzos de Fleischer Studios para imitar al estudio Disney terminaron con la producción de películas animadas. Paramount le prestó a Fleischer el dinero para un estudio más grande, que fue construido en Miami (Florida) para aprovechar las roturas de impuestos y terminar con la actividad resultante de una huelga del sindicato en 1937. El nuevo estudio fue abierto en marzo de 1938, y comenzó la producción de su primera película, Los viajes de Gulliver, que pasó de una etapa de desarrollo a una de activa producción.

La película fue estrenada en Navidad de 1939, y Gulliver fue presentado modestamente, aunque la calidad de la historia y animación estaban bastante alejados de lo que trataban de imitar, Blancanieves y los siete enanitos (Disney). 

Entre el estreno de Gulliver y la siguiente, Mister Bug Goes to Town, los Fleischer produjeron el mejor trabajo de este periodo, una serie de gran calidad basada en el superhéroe de historietas Superman. El primer cortometraje de la serie, simplemente titulado Superman, tenía un presupuesto de $100.000 dólares, uno de los más altos para un corto, y fue nominado a los Premios Óscar.

Sin embargo, este éxito no ayudó al estudio con su problema financiero. El numeroso personal del nuevo estudio creó grandes gastos, necesitando una producción estable. Un número de los cortos fue producido durante este periodo, como la serie de Popeye y una dapatación de 1941 de Raggedy Ann y Andy, manteniendo un gran nivel de calidad. Otros, como los cortos de Stone Age y la serie de Gulliver, fueron los últimos grandes éxitos del estudio.

Es casi imposible hablar de animación sin mencionar a Walt Disney, pero,de el ya os hablare en otra entrada.

Espero que os haya gustado, en la proxima entrada os traere mas informacion y curiosidades sobre la animación!